Are we gonna let the elevator Bring us down Oh, no Let‘s Go! Let‘s go crazy 

(Prince, 1980)


Underground, icons…  are they all legends?

The use of the term iconic began in the 17th century in England using the definition of “relating to, or having the characteristics of an icon.” The word referred in this way to a picture, representation, or a portrait. The related term iconoclast (from the Middle Greek eikonoklastēs) literally means “image destroyer”. The words were melted together by the world famous musician Prince, who was described as both “iconic” and an “iconoclast”.

Do we still need icons or destroyers when the big picture is in question? Has a window been opened during the pandemic that shows us a completely different world?
Where do our utopias end? And where does madness really begin?

The protagonists of this series are invited to converge in an artistic manner around the topics of legends, worldviews, utopias, and icons in relation to public space.

A trans offers a public forum for contemporary discourse chiefly about the city, urban space, and architecture. The art installations serve as research into cultural paradigms, contemporary lifestyles, and new experimental tendencies in urban practices and identities. Innovative strategies and interventions in urban space are presented, and then understood as transcending disciplines.

A simple display cabinet in a normal subway station of Berlin (U-Kleistpark) serves the art project space A TRANS as a platform for public discussion of the importance of contemporary art, architecture, and urbanity to this city.

The invited protagonists are: Martin Juef (Leipzig/Berlin), Bettina Weiß (Berlin), Alim Pasht-Han (Halle), Panos Balomenos (Helsinki, FI), Concha Argüeso (Bilbao/Berlin), Louise Crawford & Stéphane Guénau (Paris/Berlin).

Other project partners include: Platforms Project Athens 2021 (invited by Ex-MÊKH, online), B_LA CONNECT 2021 (exchange project, online).



Underground, Ikone… alles Mythos?

Die Verwendung des Begriffs iconic begann im 17. JH in England und hatte als Bedeutung „die der Ikone sehr ähnlich ist“. Der Begriff bezog sich damit auf ein Bild, seine Darstellung oder ein Porträt.  Der artverwandte Begriff iconoclast(mittelgr. eikonoklastēs) bedeutet wörtlich „Bildzerstörer“.  Im weltberühmten Musiker Prince verschmelzen diese Begriffe, er wurde sowohl als „iconic“ wie als „iconoclast“ bezeichnet.

Brauchen wir noch Ikonen oder Zerstörer, wo das Große Ganze infrage gestellt ist? Sind während der Pandemie Fenster aufgegangen, die uns eine andere Welt zeigen? Wo enden unsere Utopien? Und wo beginnt eigentlich der Wahnsinn?

Die Protagonist*innen sind eingeladen sich den Themen Mythos, Weltsicht, Utopie, Ikone bezogen auf Raum und Öffentlichkeit in künstlerischer Weise zu nähern.

A trans bietet dazu ein öffentliches Forum für aktuelle Diskurse schwerpunktmäßig über Stadt, Raum und Architektur. Die Installationen dienen der Erforschung kultureller Paradigmen, zeitgenössischer Lifestyles und neuer experimenteller Tendenzen urbaner Praktiken und Identitäten. Innovative Strategien und Interventionen zum urbanen Raum und seiner Wahrnehmung über die Disziplinen hinaus werden unter einem auf Stadt bezogenen Jahresmotto präsentiert.

Eine einfache Schaufenster-Vitrine an einem gewöhnlichen U-Bahnhof Berlins (U-Kleistpark) dient dem Projektraum A TRANS als Plattform für eine offene Diskussion über den Stellenwert zeitgenössischer Kunst, Architektur und Urbanität in Berlin.

Die eingeladenen Protagonistinnen sind:

Martin Juef (Leipzig/Berlin), Bettina Weiß (Berlin), Alim Pasht-Han (Halle), Panos Balomenos (Helsinki, FI), Concha Argüeso (Bilbao/Berlin), Louise Crawford & Stéphane Guénau (Paris/Berlin).

Weitere Projektpartner*innen sind: Platforms project Athens 2021 (invited by Ex-MÊKH, online), B_LA CONNECT 2021 (Exchange project, online).


Supported by | Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa


18.06.2021 – 08.08.2021  |   Open Hours permanently



Vitrine at U- Bahnhof Kleistpark (U7), 10783 Berlin



Friday, 18.06. 2021 at 7 pm.

The artist is present.

Please notice, we kindly ask you to accept the recent COVID-19-regulations and to wear
a mouth and nose protection.


For further information

instagram: @atrans

Instagram: @alimpashthan


(Scroll down for German summary)

The artist Alim Pasht-Han tailors the topic of the Iconic City with a depiction of a suit of armor as an icon, that at the same time has something iconoclastic about it.

Representations of soldiers, heroes, and warriors are evoked. Images of newer omnipresent superheroes or Transformers from contemporary computer games are slipped in. Avatars, like icons, exist to be venerated and to create an existential connection between the viewer (or user) and that which is portrayed. One often also uses masks, shells, and armor to remain anonymous.

Alim Pasht-Han explores the Japanese tradition of armor called ō-yoroi. Historians have found parallels between the samurai codex and the traditions of Circassian warriors from his homeland. Despite the relatively light construction of yoroi, the defensive properties of the armor is highly complex. Most historical martial arts had techniques to defeat an opponent in armor. Armor breaker. These weaponless techniques target breaking the “skeleton” of the armor to unbalance the fighter.

The installation is made up of a delicate interplay between attacking, armor, defense, security, and vulnerability. Alim Pasht-Han’s artificial armor is made out of fragile porcelain. Individual objects, modules, handcrafted set pieces, and industrial prefabricated forms yield an overall artistic composition. The theatrical sacred presentation underlines the character of the glass showcase.

Alim Pasht-Han engages with sculpture, installation, and graphic design and since 2006 has made a number of artworks out of porcelain. He lives and works as an artist in Halle/Saale and Naltschik, in the Kabardino-Balkarian Republic of the North Caucuses.


(German summary)

Der Künstler Alim Pasht-Han nähert sich dem Thema Iconic-City über die ikonische Darstellung einer Rüstung, die auch das Ikonoklastische in sich trägt.

Darstellungen von Kriegern, Helden und Kämpfern (m/w/d) werden wachgerufen. Das Hineinschlüpfen in Figuren neuer Superhelden oder Transformer der heutigen Computerspiele ist omnipräsent. Avatare haben wie Ikonen den Zweck, Ehrfurcht zu erwecken und eine existenzielle Verbindung zwischen dem Betrachter/User und dem Dargestellten zu schaffen. Man bedient sich der Masken, der Hüllen, einer Rüstung auch, um unerkannt zu bleiben.

Alim Pasht-Han erkundet die japanische Tradition der Rüstung genannt yoroi. Wissenschaftler fanden Parallelen zwischen dem Kodex der Samurai und der Lebenstradition tscherkessischer Krieger seines Heimatlandes. Trotz der verhältnismäßig leichten Bauweise der yoroi, ist die Rüstung ein hochkomplexer Schutz. Die meisten historischen Kampfkunstschulen beinhalten viele Techniken, um einen Gegner in Rüstung zu besiegen, sog. Rüstungsbrecher. Diese waffenlosen Techniken zielen darauf ab, das „Skelett“ der Rüstung zu brechen und damit den Kämpfer aus dem Gleichgewicht zu bringen.

Das feine Zusammenspiel von Angriff, Rüstung, Schutz, Sicherheit und Verletzlichkeit ist Gegenstand dieser Installation. Alim Pasht-Han‘s artifizielle Rüstung ist aus zerbrechlichem Porzellan gefertigt. Einzelobjekte, Module, handwerkliche Versatzstücke und industriell vorgefertigte Formen ergeben eine künstlerische Gesamtkomposition. Die bühnenartig sakrale Präsentation unterstreicht den Schauvitrinen-Charakter.

Alim Pasht-Han befasst sich mit Bildhauerei, Installation und Graphik, seit 2006 realisiert er einige Arbeiten in Porzellan. Er lebt und arbeitet als Künstler in Halle/Saale und Naltschik, Kabardino-Balkarien.




15.04.2021 – 06.06.2021  |   Open Hours permanently



Vitrine at U- Bahnhof Kleistpark (U7), 10783 Berlin



Sunday, 06.06. 2021 at 7 pm.

The artist is present.



For further information

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instagram @bettinabetti

instagram @bettinabetti


(Scroll down for German summary)

Invited to approach the themes of myth, world view, utopia, and icons in relation to space and the public sphere in an artistic way, Bettina Weiß has developed a painting installation ‚Under the Sun‘ for the A trans Vitrine.

The works are a painterly meditation on the symbolic iconic representation of the sun motif produced for this location.

The sun as the center point of our planetary system shines out of itself as the only star and is the powerhouse of all life on earth.

Every building made by humans and animals are oriented towards the light of the sun, it also sets the pace of life. Since time immemorial, the sun has been a symbol of vitality, divinity, power, and life itself – its daily return was invoked by means of cultic and magical rituals.

It has been represented in infinite forms throughout human history.

The image of the sun is like a primordial icon.

Bettina Weiß has been working for many years on a painterly pictorial language in which she intuitively explores spaces in a constructive way. Starting from mostly geometric forms, she combines different colour materials on wood or canvas supports in order to find an energy-conserving solution for each picture.

In the stage-like, underground exhibition situation of the showcase, semicircular wooden pictures are hung and placed on a coloured background in relation to each other.

The motif of the sun is quoted here as radiant and glistening in its own right, and is depicted in potentiated form in the same way that rays are often depicted as strokes.

Another form is that of the circle, which is supposed to reflect the rising and setting sun situation in various superimposed formations and colour temperatures. The use of the semicircle allows for a splintering and mirroring of one version to the other. This seems like a way to symbolize infinite variations both of representation and in terms of time and space.

Bettina Weiß lives and works as an artist in Berlin.


(German summery)

Eingeladen, sich den Themen Mythos, Weltsicht, Utopie, Ikone bezogen auf Raum und Öffentlichkeit in künstlerischer Weise zu nähern, hat Bettina Weiß eine Malerei Installation für die Vitrine entwickelt.

Die Arbeiten ‚Unter der Sonne‘ sind eine für diesen Ort hergestellte malerische Meditation über die symbolhafte ikonische Darstellung des Sonnenmotivs.

Die Sonne als Fixpunkt unseres Planetensystems strahlt als einziger Stern aus sich selbst heraus und ist Kraftwerk sämtlichen Lebens auf der Erde.

Alle Bauten der Menschen und auch der Tiere richten sich nach dem Licht der Sonne, sie gibt auch den Takt des Lebens vor. Die Sonne ist seit Urzeiten ein Symbol für Vitalität, Göttlichkeit, Macht und das Leben selbst. Ihre tägliche Wiederkehr wurde mittels kultischer und magischer Rituale beschworen. Sie ist in der Menschheitsgeschichte tausendfach und in verschiedenen Ausführungen gestaltet worden.

Ein Abbild der Sonne ist wie eine Ur-Ikone.

Bettina Weiß arbeitet seit vielen Jahren an einer malerischen Bildsprache, in der sie intuitiv konstruktiv Räume auslotet. Ausgehend von meist geometrischen Formen kombiniert sie verschiedene Farbmaterialien auf den Bildträgern Holz oder Leinwand, um möglichst für jedes Bild eine Energie konservierende Lösung zu finden.

In die bühnenartige, Underground – Ausstellungssituation der Vitrine sind halbrunde Holzbilder auf farbigen Grund in Bezug zueinander gehängt und gelegt.

Das Sonnenmotiv wird hier einmal aus sich selbst heraus strahlend zitiert, und im Halbkreis potenziert so dargestellt, wie Sonnenstrahlen häufig in Abbildungen als Striche dargestellt werden.

Eine andere Form ist die des Kreises, der in verschiedenen überlagerten Formationen und Farbtemperaturen die Auf- und Untergehende Sonnensituation reflektieren soll. Durch die Verwendung des Halbkreises ist eine Splitterung und Spiegelung der einen Version zur anderen möglich.

Das erschien als eine Möglichkeit, unendliche Variationen sowohl der Darstellung, als auch in Bezug auf Zeit und Raum zu symbolisieren.

Bettina Weiß lebt und arbeitet als Künstlerin in Berlin.


05.02.2021 – 05.04.2021  |   Open Hours permanently



Vitrine at U- Bahnhof Kleistpark (U7), 10783 Berlin


Without Opening, unfortunately!



For further information


Photo: Martin Juef, ZAR-Noturnos © Martin Juef, 2018, Fotografie

from the series Noturnos, Belém, 2018



(Scroll down for German summary)

Martin Juef’s images at first glance appear somewhat unclear: meticulous drawings look like print products, handmade collages like computer generated images, and blurry photographs like paintings. This ambiguity brings up questions of how the image was made. In this way the images by Martin Juef are poetic in the literal sense, and they conceptualize the very fundamentals of their own construction (poiesis = to make).

While taking photographs, the way the images are made is for the most part given over to an apparatus that the artist calls the “Realism Machine”. He uses a so-called travel camera, which through the spontaneous choice of motifs – usually in situations with lots of movement in difficult lighting – bring it to the boundaries of its optical performance.

For the topic An Iconic City Martin Juef is exhibiting the photograph ZAR  from the series Noturnos. They are photographs that were taken during late night strolls in urban spaces.

The ZAR photograph was taken in 2018 in Belém, the state capital of Pará in the north of Brazil, where the artist lived for four years. It shows excerpts of nighttime preparations for a Carnival parade happening the next day.

Martin Juef lives and works as an artist and curator in Berlin and Leipzig.


 (German summary)

Die Bilder von Martin Juef wirken auf den ersten Blick uneindeutig: Akribische Zeichnungen sehen aus wie Druckerzeugnisse, von Hand gemachte Collagen wie am Computer generierte Bilder und unscharfe Fotografien wie Malerei. Diese Uneindeutigkeit wirft die Frage nach dem Gemacht-sein der Bilder auf. Die Bilder von Martin Juef sind daher im wörtlichen Sinne poetisch, sie thematisieren ihr Gemacht-sein (poiesis = machen).

Beim Fotografieren wird das Machen der Bilder weitestgehend einer Apparatur überantwortet, die der Künstler die „Realismusmaschine“ nennt. Für seine Fotografien benutzt er eine sogenannte Reisekamera, die er durch die spontane Wahl des Motivs – meist eine unter schwierigen Lichtverhältnissen in Bewegung befindliche Situation – an die Grenzen ihrer Abbildungsleistung bringt.

Zu dem Thema An Iconcic City zeigt Martin Juef die Fotografie ZAR. Sie gehört zu einem seit 2016 begonnenen und an verschiedenen Orten immer wieder fortgesetzten Bilderzyklus mit dem Titel Noturnos. Es sind Fotografien, die während nächtlicher Streifzüge im urbanen Raum entstanden sind.

ZAR wurde 2018 in Belém, der Landeshauptstadt des Bundesstaates Pará, im Norden Brasiliens aufgenommen, wo der Künstler mehr als vier Jahre gelebt hat. Es zeigt einen Ausschnitt nächtlicher Vorbereitungen für einen Karnevals-Umzug, der am folgenden Tag stattfand.

Martin Juef lebt und arbeit als Künstler und Kurator derzeit in Berlin und Leipzig.